Le designer Marc Jacobs, actuel héros de la mode, vient de collaborer avec le chorégraphe français établi aux États-Unis, Benjamin Millepied, en dessinant 42 tenues (essentiellement des robes courtes) pour le spectacle « Amoveo ».
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J’ai retrouvé dans mes archives numériques cet excellent article de Gérard Caron, sur la mode, les marques et ses logos. A lire et à méditer.
La mode utilise ses marques de la même façon que n’importe quelle autre industrie ? En attendent-elle les mêmes effets ? Un logotype d’une marque de mode se différencie-t-il de celui d’une compagnie aérienne ou d’un jus de fruit ? Quels sont ses évolutions ?
À y réfléchir de près, il n’y a aucune raison objective de se poser ces questions ; une marque est une marque et un logotype est un logotype !! Qu’il soit pour prôner une marque de vêtement ou une marque alimentaire on pourrait penser que les critères déterminants pour son choix, sa conception graphique et son mode d’utilisation sont identiques.
Or, il n’en est rien. Les marques de mode les plus récentes montrent une évolution intéressante vers le minimalisme, la transparence, l’absence absolue de tout élément visuel accrocheur. Une simple typographie bien choisie suffit.
Effet de mode ou tendance de fond ?
Le minimalisme : une création de la haute couture française
Autant la haute couture française a longtemps été réputée pour sa créativité, ses excès dans l’élégance, autant les identités visuelles des
Deux sites intéressants dont je voulais parler depuis un moment, deux sites traitant de la mode telle qu’on peut la voir dans la rue.
D’un côté les rues de New York city, le Sartorialist, un blog mode comme je les aime sans trop de bla bla avec des photos prises par l’oeil aguerri, juste et sensible de Scott Schuman et qui me fait croire quotidiennement que TOUS les New-Yorkais sont des dandys. MON site référence.
Dans un registre tout à fait différent, en tout cas dans le style, le site Hel-Looks compile des photos prises par Liisa Jokinen and Sampo Karjalainen dans les rues d’Helsinki, royaume du second-hand. À l’origine de tout çà, le désir de promouvoir les jeunes designers islandais, mais aussi d’encourager les gens à s’habiller de façon personnelle et de créer leur propre style. À la vue des photos c’est chose faite, car on y voit des associations de couleurs inhabituelles, des « mix and match » audacieux et des réflexions intéressantes sur le rapport qu’entretiennent les interviewés avec leurs vêtements.
Si vous êtes en mal d’inspiration, plutôt qu’un long discours, visitez ces deux sites et consommez sans modération.
Isabelle Marant le temps d’une petite interview, nous explique ce que c’est qu’être un créateur indépendant, parle aussi de la création sous toutes ces formes, de la femme qui s’habille chez elle, et d’argent.
Notez certains phrases intéressantes, comme :
« Les vêtements pour moi ce n’est pas de l’art »
« (La mode) à … un processus créatif commun à plusieurs métiers »
ou encore
« Mémé H & M, te trouve ça plus intéressant qu’Agnès B »…
Une interview récupérée dans le magazine Technikart Mademoiselle n°8 (Automne-Hiver).
Loin des logiques de groupe, des designers-stars-people et de l’élitisme faisande de certains créateurs, Isabel Marant est toujours a la tête d’une maison independante. On ne la voit peut-être pas dans « Closer », mais elle compte aujourd’hui 300 points de vente à Paris, Londres, New York et Tokyo. Rester soi-même, ça marche aussi.
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Ce matin j’ai reçu dans ma boîte à mèls une information émanant d’Apple. Elle disait ceci :
« Aujourd’hui, être un professionnel de la création, ne signifie plus seulement travailler dans une seule discipline. Il s’agit désormais de travailler simultanément avec plusieurs modes d’expression, de repenser la façon d’utiliser les sons et les images et de maîtriser tous les aspects de la production. »
Voici une petite compilation des travaux de fin d’année des étudiants de l’école Mod’Art International. Après avoir imaginé et commencé leur collection, les étudiants doivent imaginer le carton d’invitation qui accompagnera leur défilé. Ce dernier ne doit pas être un travail d’école alignant les silhouettes et les gammes couleurs tel un plan de collection, mais un véritable vecteur de communication de leur marque, de leurs vêtements. Il doit plus traduire un état d’esprit, un style, qu’être un catalogue.
Pour des raisons techniques d’impression les cartons doivent tous respecter le même format (280 x 140 mm ouvert, recto-verso), le mode d’expression est libre et mixe les outils de dessin traditionnels ET numériques vus tout au long de l’année.
Vous vouliez une confirmation que la mode et l’art contemporain font plus que jamais bon ménage ? Si vous avez eu le temps de passer à la FIAC 2006 vous avez peut-être vu cette exposition, organisée par le Comité Colbert, et comprenant des verres, des sacs ou des bijoux créés spécialement pour l’occasion, par de jeunes designers pour le compte des maisons Puiforcat, Dior ou encore Hermès.
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Allez zou une nouvelle rubrique où je posterai chaque jour (ou presque), quelques lignes sur un magazine de mode (français ou étranger) choisi parmi les dizaines qui existent. Aujourd’hui je commence par i-D « The Worldwide Manual of Style », qui mérite tous les honneurs tant son impact stylistique, visuel, graphique et « idéologique » quelques vingt-six ans après sa création résonne encore dans les mémoires et dans les publications les plus récentes.
Dans le même ordre d’idées, qui est un des thèmes de ce blog, vous trouverez ci-dessous un article que j’ai lu sur Cyberpresse où Hedi Slimane prouve encore une fois son talent à explorer différents univers et supports créatifs.
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